舞臺攝影的拍攝心得文/攝影：李曉 |
第一次拍攝舞臺攝影， 是在遊輪上，每天晚上早早的吃過晚飯，就到七樓的表演廳占一個好位置，支好三腳架，通過長鏡頭，邊看演出，便按快門，是一種極大的享受。
表演的內容可能並不精彩，但只要色彩豐富，就有得拍。多數時間，船是在航行中，船身的晃動給失敗增加了很多的百分比，再加上光線不夠亮， 快門速度掌握不好，拍了一大堆的照片，放大一看，幾乎沒有成功的。因此有一種感覺：很難拍、不好掌握。但不好掌握不是不能掌握，多拍多想多試驗，就會找到合適自己的方法。
以為高難度的攝影一定要配備很多攝影器材，其實拍舞臺要用到的器材是十分的簡單，一臺帶有點測光、有連拍、有多重曝光的相機，一支中長變焦鏡頭，一副夠扎實的腳架。至於閃燈，就不用帶了，一是破壞現場氣氛，二是不尊重演員，搞不好還會給其他觀眾扔香蕉皮。
舞臺攝影相比起其他方面的攝影，有許多攝影者所不能控制的因素，例如拍攝角度，燈光，色溫和演員的動作等等。拍攝的位置也很受限制，如果站在前排和中間，會影響其他觀眾觀看，所以後排的走道是拍攝的理想位置。但拍攝距離的問題又來了，為了解決距離問題，最好就是使用70-200mm或者80-400mm的變焦頭，定焦的鏡頭在此時不太方便，因為我們不能靠移動位置來改變構圖。舞臺光的色溫變化很大，尤其是現代舞臺。
• 舞臺攝影最佳的拍攝模式
隨著相機的各種自動功能不斷完善，為攝影師省去不少功夫而帶來更多的樂趣。不過我在拍舞臺攝影得出的經驗是：對焦選用多點自動，曝光模式則完全用手動。放棄光圈先決（A）、快門先決（S）和可變程式（P），轉而用手動模式（M），這是比較嚴謹的方式，不要以為很麻煩，其實用起來很簡單。理由是：因為通常拍舞臺，基本上都是全開光圈，如果使用光圈優先意義不大，且相機容易被複雜的舞臺燈光（通常都是大面積黑或大面積白）所欺騙而出錯，雖然相機都有補償鈕，但使用起來很不方便。快門優先就更不可取，往往很多時侯因光圈數值不夠而貽誤了拍攝時機。程式模式同樣有一個最大的問題，就是相機所選擇的光圈和快門組合很多時候未必是你想要的最佳的搭配，再通過按鈕改變暴光組合，拍攝時機就會消失。因此選用手動的最大好處是光圈只要固定在最大，定好ISO，那麼只要控制速度盤便可完成測光，（對焦用多點自動）十分方便迅速。
• 舞臺攝影的曝光
為了很好地表現舞臺氣氛，燈光師通常把燈光都搞得很複雜：面光、頂光、側光、背光等等一起來，眼花繚亂煞是好看，但對攝影師和相機卻是很大的考驗，尤其是光比大的時候。那如何才能很好地表現那一刻的氣氛呢？通常就算最高級的相機，它的測光系統在複雜的舞臺光面前是顯得很弱智，很不可靠。那該如何運用好相機的測光系統為你工作呢？這當中就涉及到一個正確曝光概念。
攝影師根據自己想要表達的東西去進行測光，比如，我要表現臉的，我就用點測光測演員的臉，按實際讀數再減一檔曝光量，其他部分就不用管。如果要表現高光部分，就按點測光測出來的實際讀數減一檔曝光。這種暴光方式最能表現攝影師的意圖，而且照片看起來更有立體感。需要提到的是我們一定要用RAW來拍攝，因為用我上面說的方法，得到的是一張看上去曝光不足的照片，但Raw的資訊涵蓋範圍很大，在這樣曝光下的照片，不管是曝光量還是色溫，只要調入CameraRaw 解決這樣的問題易如反掌。
在最近的一次拍攝中，我用400mm 的鏡頭拍到的一組演員的面部表情，就是用這樣的方法。(文/攝影：李曉)
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